Cómo empezar

Como dibujar

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Aprende a dibujar y nunca serás el mismo

Los grandes artistas saben que nunca pueden permitirse dejar atrás sus técnicas de dibujo si esperan seguir creciendo y refinando su trabajo. ¡Esto va para ilustradores, arquitectos, pintores, escultores, diseñadores, incluso artistas del tatuaje! El dibujo es la columna vertebral del arte, lo que permite a los artistas no solo ver, sino grabar lo que ven en línea y sombreado, contorno y gesto.

Lo más emocionante de aprender a dibujar es que hay muchas vías de búsqueda. Un artista puede unirse a un programa de dibujo específicamente diseñado para dibujar de la vida, realizar estudios rápidos y sesiones más largas para capturar el movimiento y el gesto de una modelo en vivo. O uno puede seguir dibujando como un estudio personal, tomar papel y lápiz (o lápiz) y salir al mundo para simplemente dibujar. Puede permitirle aprender a dibujar con una variedad de medios también: grafito o lápiz, carbón, pastel, lápiz y tinta y más.

Pero si un artista espera dominar cómo dibujar objetos y figuras realistas cada vez que él o ella pone la pluma en el papel, hay técnicas de dibujo en las que uno debe enfocarse. Primero viene la observación y la coordinación mano-ojo, para que entrenemos el ojo para interpretar lo que vemos de manera que tenga sentido cuando estamos dibujando, sin importar cuál sea nuestro tema. Luego, un artista puede comenzar a aprender a dibujar figuras y sus acciones y poses. Seguirán clases de dibujo de la vida, así como dibujar en un cuaderno de bocetos con frecuencia. Esta es la vida de los dibujantes: volver y utilizar el dibujo en el día a día. Es un compromiso, ¡pero las recompensas están aprendiendo a dibujar cualquier cosa!

Cómo Dibujar una gran pintura

"Una de las principales razones por las que los pintores se meten en problemas es porque sus imágenes no tienen una base sólida de dibujos precisos y expresivos", dice el artista neoyorquino Jon DeMartin.

"El dibujo es una parte integral del proceso de creación de imágenes", dice DeMartin. “Brinda la oportunidad de explorar variaciones del tema. Un artista puede entusiasmarse con una idea y precipitarse precipitadamente en la pintura sin una preparación adecuada solo para descubrir, a menudo demasiado tarde, que la idea no pudo mantenerse durante todo el proceso. Al tomarse el tiempo para ejecutar dibujos preparatorios, un artista puede considerar y destilar cuidadosamente las ideas y, por lo tanto, tomar mejores decisiones creativas ".

La mejor parte de los talleres de dibujo de DeMartin es que ofrecen a los estudiantes una variedad de enfoques para el dibujo figurativo, cada uno de los cuales puede ayudar con aspectos particulares de la creación de imágenes. Por ejemplo, hace que los estudiantes comiencen cada día con dibujos rápidos de gestos que enfatizan los aspectos espontáneos y lineales de registrar una pose activa en un dibujo lineal.

"Las posturas cortas de uno a 45 minutos tienden a ser más sobre la línea y el gesto, y las largas (una hora o más) son sobre la forma y el volumen", explica. "Debido a las limitaciones de tiempo, cualquier modelado extenso con valores es difícil de hacer, por lo que cuantas más formas pueda hacer el volumen de línea expreso, mejor". Cuando los artistas pasan horas o días trabajando desde la misma pose, sus dibujos se convierten en análisis de valores relacionados con formas que pasan de la luz a la sombra.

"Ambos enfoques para dibujar la figura pueden ser beneficiosos para los pintores, pero también pueden conducir a sus propios problemas", dice DeMartin. “Los artistas que solo hacen dibujos de gestos cortos a menudo producen imágenes estilizadas que son respuestas formuladas en lugar de honestas a modelos individuales. Por el contrario, los artistas que solo hacen dibujos que tardan meses en completarse a menudo terminan con observaciones mecánicamente precisas que carecen de contenido emocional. Al combinar los dos enfoques, el artista tiene una mejor oportunidad de poder hacer evaluaciones rápidas de la forma en que las figuras se mueven en el espacio, así como observaciones precisas que evocan la esencia de la persona que se dibuja "

DeMartin recomienda que los artistas utilicen diferentes materiales de dibujo pero la misma postura al hacer estos dos tipos de dibujos. "El dibujo debe hacerse desde una posición de pie con el brazo extendido para que el movimiento provenga del hombro, no solo de la muñeca", indica. "Los artistas deberían poder ver tanto la superficie de dibujo como el modelo dentro de su campo de visión".

DeMartin explica que no hay un solo enfoque recomendado para dibujar o pintar. Lo más importante que deben recordar los artistas es que cierta cantidad de dibujo ayudará a seleccionar los elementos de una imagen, establecer la composición de líneas y valores y resolver problemas potenciales.

Fuente: Adaptado de un artículo de Steve Doherty

Técnicas de dibujo: línea y sombra

Aquí hay algunos consejos del artista e instructor Jon DeMartin para aprender a dibujar con líneas y contornos o sombras y tonos.

Línea: El objetivo principal al hacer bocetos rápidos es capturar acciones rítmicas. Encuentre la acción antes de los contornos porque sin esa sensación de movimiento el dibujo perderá su flujo rítmico. Si el tiempo lo permite, introduzca gradualmente la estructura conceptualizando la orientación de la cabeza, la caja torácica y la pelvis en el espacio utilizando líneas medias verticales y horizontales. La atención se centra más en el esqueleto del cuerpo que en los músculos.

Sombra: Las sombras guían al artista en la comparación de los otros valores que están a la luz, por lo tanto, póngalos primero. Cree un valor plano para las luces (el blanco del papel) y un valor plano para las sombras con líneas sombreadas que hagan un tono claro. El valor no es una preocupación, solo la interpretación gráfica del patrón de sombra. Es importante reconocer qué formas están en la sombra y cuáles no porque los artistas a menudo confunden los valores oscuros en la luz con las sombras.

Línea: Las líneas que describen las características pueden cruzarse sobre las partes del cuerpo a medida que enfatizan el flujo de las formas y la relación de una forma con otra. Si un brazo cruza sobre el cuerpo, por ejemplo, el artista debe dibujar primero las líneas continuas del cuerpo y luego dibujar el brazo sobre esa sección del cuerpo. El punto es capturar la acción y el contorno y dejar que las sutilezas vengan más tarde.

Sombra: Aprender a dibujar o desarrollar las sombras significa trabajar de forma aditiva, acumulando capas de carbón. Primero frote una masa plana y uniforme de sombras y luego use un muñón de carbón para derretir las sombras en el papel. Esto sirve como una agradable yuxtaposición a los valores en la luz, que se dibujan más espontáneamente con la eclosión. En poses más largas, la ilusión tridimensional del dibujo se expresa principalmente a través de valores de luz y oscuridad. Los planos en el formulario que se alejan de la fuente de luz se oscurecen a medida que se acercan a la línea de sombra. Estas son las gradaciones de valor en el formulario que transmiten la ilusión de redondez. Cuanto más redondeada sea la forma, más se extenderán las gradaciones.

Fuente: Adaptado de un artículo de Steve Doherty sobre las técnicas de dibujo de Jon DeMartin.

Aprende a dibujar bordes

Las líneas de contorno son una mentira útil que utiliza un dibujante para indicar el borde de un formulario en un dibujo lineal. En verdad, no vemos una línea que marque el borde de una cara, simplemente vemos dónde la forma se curva fuera de la vista. Dibujar una línea sólida en el borde de los elementos sugiere formas, no formas, un dibujante debe tener cuidado de implicar los otros planos que no son visibles desde el punto de vista del espectador. Además, simplemente concentrarse en las líneas de contorno puede distraer a un artista de la importante tarea de retratar el gesto del modelo, que generalmente se irradia desde el interior de una figura. Por esta y por otras razones prácticas, el manejo de los bordes por parte de un artista es de gran importancia si un dibujo es convincente.

Las curvas son difíciles de representar con precisión. Muchos instructores de dibujo recomiendan usar solo líneas rectas para los bordes, suavizándolos en curvas cuando sea necesario más adelante. Si crees que esta es una muleta para principiantes, considera cómo Rubens, un dibujante maestro, usó este método.

Los bordes hacen gran parte del trabajo al sugerir profundidad. Una línea gruesa adelanta la forma y una línea delgada y ligera puede indicar un plano que retrocede hacia el fondo. Pero los bordes no son solo líneas. En piezas más tonales, un borde más duro y un marcado contraste entre planos crean una forma que está más cerca del espectador que una con un aspecto más suave y ligero. Esto es esencial para proyectar sombras: una sombra es más nítida en el punto donde toca el objeto que la proyecta, y se difunde a medida que la sombra se aleja del objeto. En su dibujo, Hombres caminando en un campo, Seurat hizo que la figura más cercana se moviera hacia adelante en el plano de la imagen al aumentar el contraste entre los planos más oscuros y los planos más claros y al usar bordes más duros en esta figura.

En su libro Dominar el dibujo de la figura humana de la vida, la memoria, la imaginación, Jack Faragasso señala que uno siempre debe ser consciente de que los bordes más importantes son aquellos que indican patrones claros y oscuros. Él usa como ejemplo los gruesos collares con volantes que a menudo aparecen en las pinturas de Rembrandt: los bordes importantes en tales collares no son los giros y pliegues individuales, sino el borde de la sombra a medida que el collar se mueve hacia la luz. Representar efectivamente esa línea hará más para hacer que el ruff sea convincente que cien líneas detalladas.

Dónde colocar su dibujo en la página

Siempre puede colocar el tema de su dibujo lineal o contorno en el centro de la página. Hace una declaración fuerte y, en algunos casos, expresa con mayor claridad cómo desea que el espectador experimente la pieza. Pero colocar el tema en otra parte de la composición puede hacer que el fondo funcione para usted y crear tensiones intrigantes, sugerir narraciones y guiar el ojo hacia el punto focal de una manera más sutil.

El término francés mise en page (traducido literalmente, "colocación en la página") a veces se usa en referencia a este concepto, pero la idea tiene sus raíces en una historia mucho más temprana; en general, se considera que la consideración de los artistas de este aspecto de la composición se originó en el Renacimiento. A la edad de Watteau, su importancia en el enfoque de un artista estaba firmemente establecida, y hoy es casi inconcebible que un artista trabajador descuide su manejo cuidadoso.

Nuestra tendencia natural puede ser colocar el tema en el centro de la composición, dándole la atención que merece en el medio de nuestro "escenario", pero esto no refleja con precisión la forma en que generalmente vemos el mundo. A menos que estemos muy cerca de nuestro tema, hay una gran cantidad de información que nos llega en nuestra visión periférica. Experimentamos todo en contexto, y este contexto afecta la forma en que interpretamos el punto focal. Como cajones debemos luchar contra lo que se siente automático y observar verdaderamente toda la escena para describir con precisión los cuadros.

Periklis Pagratis, presidente de estudios básicos en el Savannah College of Art and Design, les enseña a sus alumnos los conceptos básicos de dibujo y más allá, incluida la idea de que al diseñar una composición, deben pensar en el tema como la cabeza de Medusa, no lo vean directamente o te convertirás en piedra (o tu dibujo lo hará, al menos). El espacio negativo alrededor del tema debe jugar un papel esencial en su composición. Habrá mucho tiempo para estudiar detenidamente el tema en sí cuando llegue el momento de procesarlo.

Hojee cualquier libro de arte y seguramente verá ejemplos maravillosos de puesta en escena convincente. Examine cualquier pintura o dibujo en el que el punto focal esté colocado lejos del centro de la composición, luego imagine cuán diferente sería la pieza si el tema estuviera en el centro de la página. Verá fácilmente cómo los mejores artistas hacen que mise en page funcione eficazmente para ellos.

Fuente: Adaptado de un artículo de Bob Bahr

Ver el vídeo: Cómo dibujar a tu personaje favorito. Toontorial. #QuedateEnCasa (Octubre 2020).