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Artista de bodegones Harriet Shorr: todo es una configuración

Artista de bodegones Harriet Shorr: todo es una configuración

Este artículo sobre el artista de bodegones Harriet Shorr, escrito por Rick Stull, apareció originalmente en la edición de enero / febrero de 2011 de Revista.

La artista de bodegones Harriet Shorr ha escrito y hablado elocuentemente sobre sus pinturas, abordando los nudosos problemas de forma, contenido y significado, cuestiones que a menudo plantean tantas preguntas como se iluminan durante tales debates. Tampoco tales discusiones disipan el misterio del trabajo de un artista. La capacidad de una obra de arte para recuperarse después de tal escrutinio y para dar placer sin fin debe ser uno de sus rasgos significativos y valorados. Lo mismo ocurre con las discusiones sobre los temas más prácticos de procedimiento y técnica. Cuando todo está dicho y hecho, cuando una pintura ha sido analizada y, en cierto sentido, deconstruida, su capacidad de deleite debe permanecer. Tal es el caso con el arte de Shorr.

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Objetos de naturaleza muerta sin objetivo

En mi conversación reciente con Harriet Shorr, nos aferramos a los problemas prácticos: cómo ella realmente prepara y hace sus cuadros de bodegones. Hablamos de lienzos, pinceles, camillas, marcas de pintura y gesso. Y, por supuesto, hablamos sobre los objetos extraños y dispares que habitan sus pinturas.

"Los objetos que elijo inicialmente para una pintura pueden no coincidir necesariamente con lo que estoy pensando y sintiendo en ese momento", dice Shorr. De hecho, ella trata conscientemente de no buscar objetos con una agenda específica en mente. Tampoco cuestiona qué los hace "hacer clic" juntos. "Encuentro muchos objetos en los mercados de pulgas y al caminar por las calles de Nueva York", dice Shorr.

Cuando siente que ha reunido todas sus "cosas", organiza (un término que Shorr prefiere "componer") los artículos en una mesa en su estudio (ubicado en su loft Manhattan SoHo durante la mayor parte del año y en el campo de Vermont durante el verano). Este acto de organizar objetos de naturaleza muerta, aunque básicamente intuitivo, es algo que Shorr hace con un cierto grado de autoconciencia. Shorr explica que cuando organiza los objetos en su mesa, generalmente intenta variar los espacios entre ellos. "Pero mi idea siempre ha sido que si la pintura realmente funciona, cualquier relación compositiva puede ser convincente".

Procediendo en este modo informal pero alerta, Shorr elige un lienzo, tamaño y orientación regidos por su disposición de objetos. Ella usa lienzos estirados, típicamente cubiertos con una sola capa de medio brillante seguido de dos capas de gesso. Ella prefiere el lienzo al lino porque "el lino es caro y es más difícil de estirar perfectamente".

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Directo a la pintura

Uno podría pensar que una cierta cantidad de dibujo o boceto sería el siguiente paso, pero esto no es así. Shorr no hace un dibujo preliminar para sus trabajos de naturaleza muerta: "Mucha gente piensa", dice ella, "que hay una conexión necesaria entre dibujar y pintar, es decir, hay que entender algo dibujándolo antes de poder pintarlo". No lo creo ".

Por supuesto, esta no es toda la historia. Usando pinceles de cerdas para las áreas más grandes de color y pinceles de pelo largo para el modelado más preciso, crea las diferentes formas, sus sombras y los espacios entre las formas mientras pinta, manteniendo la fluidez de la pintura. Shorr desarrolló esta fluidez y la práctica de pintar mojado en mojado después de estudiar con Alex Katz en la Escuela de Arte y Arquitectura de Yale en la década de 1960.

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Extravagancia práctica

Sobre el tema de la pintura, Harriet Shorr se depila con adamantina. "Debes ser extravagante con tus materiales". Y ella es. Usando aceites Old Holland, mezcla sus colores específicamente para una pintura y no guarda ninguna pintura de una pieza para trabajar en la siguiente.

"Derivo mis colores de mis percepciones", dice Shorr. Ella agrega: "No tengo ningún interés real en el balance de color. Solo pinto el color que veo. Si cambia, yo cambio con él ". Ella usa un pincel diferente para cada color y para cada gradación dentro de un color particular.

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Dirigido por la luz y la vista

Shorr generalmente comienza a trabajar a las 9 o 10 de la mañana y generalmente se detiene alrededor de las 3 de la tarde. Esto seguramente se mantiene para un artista que atiende tan de cerca a los efectos de la luz. Después de todo, ella es la persona que, al describir cómo completó una naturaleza muerta, dijo una vez: “Mientras trabajaba en la pintura, esperaría hasta que el rayo de luz cayera en el mismo lugar para pintar los pasajes particulares influenciados por esa luz. Cada día pintaba las mismas partes de la pintura al mismo tiempo ".

Pinta lo que está mirando: objetos, telas, montañas vistas a través de las ventanas de su estudio de Vermont, construyendo fachadas vistas a través de las ventanas de su loft SoHo. Esto puede parecer un procedimiento extraño para un artista que incluye a Barnett Newman entre sus principales influencias. Sin embargo, se vuelve menos extraño cuando se considera la frontalidad estructural y los susurros de la abstracción de Color Field en sus pinturas.

Lo que uno nota cuando mira una pintura de bodegón Shorr como Objetos de uso para mí (arriba), los rasgos abstractos mencionados anteriormente, es el cuidado y la atención que presta para garantizar que cada centímetro cuadrado del lienzo tenga la misma importancia. Ningún objeto particular o sección de tela o paisaje llama la atención. El espectador mira fijamente al conjunto como lo haría uno al mirar una sección de bosque moteada de sol o a través de un tramo de desierto. O el ojo puede viajar sobre la superficie, deleitándose con la yuxtaposición de colores intensos, la iluminación de la luz que da forma, los diferentes tonos y las sombras oscuras de los mundos de Shorr. Es una gran forma de placer que navega el significado del título de la pintura de lo utilitario a lo sublime.

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