La vida del artista

Una breve charla con Frank Eber

Una breve charla con Frank Eber

El segundo en una serie exclusiva diaria del artista:
Maestros de la acuarela americana: Frank Eber

¿Cómo te interesaste en la acuarela?
Realmente no me interesé hasta hace unos 15 años, cuando vi por primera vez una pintura de Percy Gray. Siempre había asociado la acuarela con pinturas de cachorros en una canasta, viñetas con mucho papel blanco o algo que verías en un letrero en un sitio de construcción. No podía creer que alguien pudiera pintar así en acuarela. ¡Una pintura, como una verdadera obra de arte! Sí, formé parte de la multitud que mira la acuarela como el "medio de dibujo".

Básicamente me eduqué en el medio, estudiando la escena de la acuarela británica del siglo XIX, los pintores de la escena de California y "los Barbizons de California" de principios del siglo XX. Estaba enganchado a la fuerza natural del medio para transmitir el estado de ánimo, la atmósfera y una sensación tonal suave. Fui entrenado en aceite y gouache; desde el aguazo fue un pequeño paso hasta la pintura de acuarela.

¿Quiénes fueron los pintores de acuarelas que más te inspiraron?
Mis héroes son Percy Gray y Marion Wachtel del movimiento California Scene y Edward Harrison Compton. Más tarde también me inspiró Andrew Wyeth. También tendría que mencionar a John Singer Sargent, por supuesto.

Tengo que decir que siempre me inspiraron más los pintores de aceite, como Corot, Compton, Zorn, Sargent o Carl von Marr. Tengo esta fascinación por pintar acuarelas como un pintor al óleo y de hecho apliqué muchas técnicas de pintura al óleo a mi trabajo de acuarela. No es nada nuevo, los pintores del movimiento británico de la acuarela también lo hicieron.

¿Qué buscas, qué es lo que más te atrae, cuando buscas un tema potencial?
Casi cualquier cosa puede convertirse en una pintura. Me gustan las escenas bucólicas, pero también hago muchos retratos y escenas urbanas. ¡Los temas de naturaleza muerta también pueden ser geniales! ¡Se trata principalmente de patrones claros y oscuros, no tanto de lo que es! Un pintor dijo una vez: "Una cabeza es algo que eliges para que caiga la luz". Eso también se aplica a la pintura de paisajes. ¡Un granero puede verse espectacular con la luz adecuada y súper aburrido en un día aburrido! También busco elementos de diseño. Al pintar la figura humana me atraen las emociones, la expresión y los gestos.

Usted ha dicho que pintar en el lugar, en plein air, es el mejor maestro.
¿Puedes elaborar?
La pintura al aire libre le enseña a trabajar bajo presión y producir algo. Cualquier cosa. Las distracciones como cambiar la luz, las moscas, el viento, el tráfico y los molestos espectadores agudizarán su capacidad de concentración.

Pintar al aire libre me ayudó a comprender mejor el color y el valor. Hay cambios muy sutiles de color y valor en la naturaleza que la cámara tiene dificultades para captar. Cuando pinta en un lugar, puede ver, oler, sentir y tocar su tema. Parte de esa energía se destina al trabajo.

¿Crees que hay algunas limitaciones para plein air painting?
Seguro. Si bien lo que dije antes es cierto, es muy difícil pintar cuadros más pensados, elaborados (no necesariamente más detallados) o más grandes en el exterior. Las situaciones cambiantes de luz te obligan a tomar decisiones rápidas que pueden ser buenas, pero no siempre son mejores. Un enfoque más tranquilo y tranquilo puede producir una pintura más elegante y sofisticada. Además, las condiciones de luz extremas que solo duran minutos solo se pueden hacer en el estudio a partir de materiales fotográficos, es decir, una escena minutos antes del atardecer, etc.

¿Qué quieres decir con mirar una escena con los ojos de un pintor?
Los pintores ven lo que hacen los objetos y las formas, así es como interactúan en términos de luz, valor, color y diseño. A los pintores no les importa mucho lo que es, solo ven qué efecto tiene la luz sobre él. Los no artistas ven los objetos por lo que son, es decir, un automóvil, un árbol o un edificio. A menudo ni siquiera ven el juego de luces y sombras. Esto también se relaciona con la tercera pregunta, con respecto al tema.

¿Crees que un pintor puede cambiar (o editar) una escena demasiado cuando pinta en el lugar?
Es facil de hacer. He estropeado muchas pinturas como esa. Creo que la clave es reconocer de qué trata la escena, en primer lugar. Si lo entiendes, el proceso de edición no es tan difícil. Dado que en su mayoría tratamos con demasiada información, el proceso de edición debe ser rápido y decisivo, y apoyar la visión y la historia que estás contando, pero no quitar la esencia de lo que está pintado.

Cambiar una escena, en lugar de simplemente editarlo, es mucho más difícil y las cosas pueden salir mal rápidamente. Es muy difícil inventar una luz diferente. Una vez quise pintar la estatua de Albrecht Dürer en Alemania después de verla con una luz maravillosa. El día de la pintura, por supuesto, no había luz solar y no había tomado fotos. Traté de hacerlo de memoria, pero salió mal, de alguna manera falso. No sé de qué se trataba. Así que cambiar una escena drásticamente es un asunto complicado y no lo recomiendo. Hacer una sombra no es tan difícil o cambiar ciertos colores un poco a veces puede mejorar una escena, pero definitivamente me mantengo alejado de los cambios importantes.

Siempre ha subrayado la importancia de los valores y los patrones de valores. ¿Son las claves, los puntos de partida, para una buena pintura?
Supongo que podrías llamarlos puntos de partida. La clave para una buena pintura es una combinación de muchas cosas diferentes. Notar el patrón de valor es ciertamente un primer paso importante. Primero debemos ver algo que agite nuestra alma artística. Para responder a su pregunta de manera diferente, creo que lo más importante para una buena pintura es la inspiración. Tenemos que estar inspirados. ¡Eso es un gran, gran problema! Sin inspiración, comenzamos a seguir los movimientos, pintando el "mismo viejo, el mismo viejo" y el arte comienza a verse formulado y aburrido. ¡La meseta artística sería cuando un pintor da la vuelta al mundo y produce la misma pintura sin importar dónde esté pintada!

¿Hace estudios de pequeño valor o desbastes preliminares de color?
Solo valoro los estudios si hay algo sobre una escena que no entiendo completamente o no sé cómo resolver. Es entonces cuando un estudio de valor realmente puede ayudar. Si recién comienza a pintar, los recomiendo y los hacemos en mis talleres también. No hago brotes preliminares de color, prefiero pintar una pintura pequeña.

Hablando de estudios de valor: descubrí, al enseñar, que hay muchos estudiantes que pueden realizar un estudio de valor realmente agradable en blanco y negro, y no logran hacer una versión en color inmediatamente después. Eso me dijo que los estudios de valor solo pueden hacer mucho y comencé a cambiar mi enseñanza en consecuencia.

Muchas de sus pinturas presentan temas complejos como edificios y automóviles. ¿Cuánto dibujo preliminar haces?
El dibujo preliminar es una gran parte de mi proceso de pintura. El dibujo es el alma de la pintura, todo depende de ello. Disfruto mucho la parte del dibujo y algunos días es un indicador para mí sobre cómo será la pintura. Eso suena extraño, pero es realmente cierto: si estoy rígido y vacilante durante el proceso de dibujo, lo más probable es que continúe con la pintura. Si mi dibujo es lento e inseguro primero, realmente trato de relajarme, sacudir la mano y vaciar la cabeza para calmarme. Una vez que tenga un buen trabajo de línea a lápiz, sé que pintaré bien. Todo está conectado. Como dice el dicho, "Todo está en tu cabeza".

Eso me recuerda otra cosa desafortunada que veo mucho en los estudiantes: en realidad no creen que puedan pintar bien. Están controlados por el miedo, que no es más que ego, ¿verdad? Tienes miedo de no ser lo suficientemente bueno, etc., etc. La cuestión es que no puedes expresarte artísticamente si tienes miedo.

¿Cuáles son los mayores inconvenientes de trabajar con fotos?
No experimentar la escena en la vida real conlleva algunos problemas. Mi objetivo en la pintura al aire libre es capturar siempre el estado de ánimo de la escena, tanto como sea posible. Es difícil sentir el estado de ánimo en una fotografía, sin haber estado en el lugar. Si toma las fotografías usted mismo mientras está en el lugar, es bueno y será de gran ayuda al pintar.

Otros inconvenientes son que la cámara distorsiona la imagen, lo que yo llamo el efecto de lente ojo de pez. Esto es especialmente complicado en escenas urbanas. Si estás parado en una esquina mirando hacia la calle, intenta sostener tu cámara a la altura de los ojos y compara la imagen de la pantalla con lo que tus ojos ven. La cámara pone demasiado, incluso las cosas que están a tres metros a la derecha. Siempre me aseguro de acercar y acercarlo a su "tamaño real", por así decirlo.

Otra cosa mala sucede cuando tratas de tomar fotos de edificios altos. ¡No se puede hacer! ¡Terminan pareciendo triángulos puntiagudos en la fotografía!

¿Tiene algunos colores en los que confía una y otra vez, y otros que intenta evitar?
¡Por supuesto! ¡Siempre uso todos los colores de la naturaleza! Azules, rojos y amarillos ... ¡oh, y tonos tierra! ¡Solo estoy medio bromeando aquí!

La mayoría de mis lavados más grandes son una mezcla de primarias. Sí uso colores convenientes como el turquesa cobalto (el viridian en los pigmentos de aceite) o el violeta ultramarino, básicamente colores secundarios y mezclas. Para las primarias, uso azul cobalto, carmín y oro verona ocre o azul ultramarino, magenta y siena quemada.

Me mantengo alejado de los pigmentos manchados como el azul de Prusia o cualquier cosa que comience con "Thalo". Siempre escucho que tengo una "paleta limitada", pero no lo creo. ¿Cómo se limita cuando uso todos los colores primarios y secundarios?

¿Qué papel prefieres en general?
Me gusta el bloque Arches, 140 libras, áspero. Solo desearía que hicieran bloques en tamaños más variados. Las hojas regulares de Arches también son geniales, pero definitivamente son un papel diferente.

¿Tienes alguna idea sobre el futuro de la acuarela?
Si. Me preocupa que haya un porcentaje tan pequeño de jóvenes interesados ​​en la acuarela. Las grandes sociedades de la acuarela deberían centrarse más en obtener miembros jóvenes. Deberían patrocinar exhibiciones con el trabajo de artistas jóvenes y ofrecer becas a artistas jóvenes prometedores que trabajen en acuarela. Además, las grandes sociedades de acuarela deberían tratar de alinearse con los programas de arte de las universidades en sus áreas inmediatas.

¿Cuál es el mejor consejo que puede ofrecer a un joven aspirante a artista de la acuarela?
¿Consejo? ¡Podría usar algo yo mismo! En serio, ¡trabaja duro en tu oficio! Aprende a dibujar bien. Estudie pintura, si no académicamente, al menos en una escuela que enseñe todos los conceptos básicos, es decir, dibujo, perspectiva, anatomía, etc. Cree en ti mismo y en tu arte. No le pidas críticas a tu familia y amigos. ¡No te tomes demasiado en serio! Es pigmento sobre papel.

Realiza espectáculos grupales y competiciones al comenzar. Las exhibiciones individuales son para artistas establecidos, no para alguien que está comenzando. Desarrolla una piel gruesa. Prepárese para lidiar con el rechazo, los pequeños artistas, los celos y la envidia. Ah, y recuerda este: la gente te dirá lo que quieres escuchar.

A menudo es lo que conoce y lo bien conectado que está lo que puede marcar la diferencia. Tenga en cuenta las realidades: el mundo occidental tiene poca consideración por el medio de acuarela. Muchas galerías no aceptarán acuarelas. Las acuarelas no traerán tanto como las pinturas al óleo. Los miembros del jurado generalmente no otorgan acuarelas.

Recuerde, los mejores artistas siguen siendo estudiantes toda su vida. Hazlo sobre crear arte, la pintura es prioridad. Todo lo demás viene después. ¡Y lee eso de nuevo!

Frank Eber nació en Europa y es un artista de acuarela profesional a tiempo completo que vive en California. Frank ha pintado en toda Europa y América. Es miembro de la American Water Society, la National Water Society, la Transparent Watercolour Society of America y Watercolour West. Frank enseña y dirige talleres y demostraciones a nivel nacional e internacional.

Ver el vídeo: Mini Folio Tutorial (Octubre 2020).